Dans cet article, vous allez découvrir comment développer l’œil du peintre en maîtrisant l’art de l’observation. Observer attentivement le monde qui nous entoure est essentiel pour tout artiste, mais cela revêt une importance particulière pour les peintres, dont la capacité à capturer la réalité visuelle avec précision et sensibilité est au cœur de cet art.

1) Suivre l’harmonie naturelle des formes

Photo de Steve Jurvetson

L’harmonie naturelle des formes est un concept qui trouve ses racines dans plusieurs domaines, notamment l’art, la philosophie et même les sciences. Fondamentalement,  certaines formes, arrangements ou compositions sont intrinsèquement agréables ou équilibrés aux yeux et à l’esprit humains en raison de leur conformité avec les motifs et les proportions observés dans la nature.

• En peinture, l’harmonie naturelle des formes se réfère à la façon dont les artistes utilisent les formes, les lignes, les couleurs et les textures pour créer une composition visuellement équilibrée et agréable, en s’inspirant des motifs et des proportions que l’on trouve dans la nature.

Cela peut inclure l’utilisation de motifs récurrents tels que les spirales, les courbes douces ou les lignes brisées qui évoquent les éléments organiques de la nature. Les artistes peuvent également s’inspirer des proportions et des échelles observées dans le monde naturel pour créer un sentiment d’harmonie et d’équilibre dans leurs œuvres.

• L’harmonie naturelle des formes en peinture peut également être exprimée à travers des concepts tels que la symétrie, l’équilibre des masses, la répartition des éléments dans l’espace pictural et l’utilisation judicieuse des contrastes pour attirer l’attention et créer un rythme visuel agréable.

En résumé, en peinture, l’harmonie naturelle des formes implique la création d’une composition visuellement attrayante qui évoque les formes et les proportions observées dans la nature, en utilisant des éléments tels que les lignes, les formes et les couleurs pour atteindre un équilibre esthétique.

Le nombre d’or :

Le nombre d’or, souvent désigné par la lettre grecque φ (phi), est une constante mathématique représentée par la valeur approximative de 1,6180339887… Il est souvent associé à des proportions esthétiques harmonieuses et a été utilisé dans divers domaines, y compris l’art, l’architecture, la nature et même la finance.

• En art et en design, le nombre d’or est souvent utilisé pour créer des compositions visuellement agréables et équilibrées. Les proportions du nombre d’or sont considérées comme esthétiques parce qu’elles sont perçues comme équilibrées et harmonieuses aux yeux humains.
• De nombreuses œuvres d’art célèbres, ainsi que des compositions architecturales et des designs, ont été créées en utilisant les proportions du nombre d’or pour atteindre un effet esthétique particulier.

Dans la nature, le nombre d’or est également observé dans de nombreux phénomènes, comme la disposition des feuilles sur une tige, les spirales des coquillages, la structure des fleurs, et même la forme des galaxies. Cette récurrence du nombre d’or dans la nature a conduit certaines personnes à spéculer sur son importance dans la création et l’organisation de l’univers.

En mathématiques, le nombre d’or est souvent défini comme la solution positive à l’équation quadratique 2=+1x2=x+1. Il a des propriétés mathématiques fascinantes et est lié à la suite de Fibonacci, une séquence dans laquelle chaque nombre est la somme des deux nombres précédents (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, etc.), dont le rapport converge vers le nombre d’or à mesure que les termes deviennent plus grands.

2) l’activité des formes pour construire son observation et un tableau

L’activité des formes en peinture fait référence à la manière dont les formes dans une œuvre d’art semblent être en interaction dynamique les unes avec les autres, créant un sens de mouvement, de tension ou de rythme. C’est un concept souvent utilisé pour décrire la manière dont les formes sont agencées dans une composition pour créer un effet visuel ou exprimer une idée.

• Cela  signifie que les formes sont disposées de manière à créer un sentiment de mouvement ou de changement, comme si elles étaient en train de se déplacer ou de se transformer.
• Cela peut être réalisé grâce à des techniques telles que l’utilisation de lignes diagonales, de formes asymétriques ou de contrastes de couleur qui suggèrent une dynamique dans la composition.

L’activité des formes peut également contribuer à la narration d’une peinture, en guidant le regard du spectateur à travers la composition ou en soulignant des éléments clés de l’histoire que l’artiste souhaite raconter.

Exemple concret dans l’histoire de la  peinture:

Créer du mouvement dans un tableau grâce à l’activité des formes implique l’utilisation de diverses techniques artistiques pour donner l’impression que les formes dans la composition sont en mouvement ou en interaction dynamique. Voici quelques stratégies que les artistes utilisent souvent pour créer cette sensation de mouvement :

• Utilisation de lignes diagonales ou courbes : Les lignes diagonales ou courbes peuvent donner un sens de dynamisme à une composition, car elles suggèrent le mouvement ou le changement. En inclinant certaines formes ou en utilisant des lignes courbes pour les contours, vous pouvez créer une impression de mouvement dans la direction indiquée par ces lignes.

Vincent Van Gogh: La nuit étoilée

• Répétition de motifs : La répétition de motifs similaires à travers la composition peut créer un rythme visuel qui donne l’impression que les formes se déplacent ou se transforment. Par exemple, des formes répétées de tailles décroissantes peuvent donner l’impression de mouvement vers l’arrière-plan.

Vincent Van Gogh: Les tournesols

• Utilisation de contrastes : Les contrastes de couleur, de valeur ou de texture peuvent aider à créer un sentiment de dynamisme en attirant l’attention sur certaines parties de la composition. Par exemple, un fort contraste entre des formes sombres et des formes lumineuses peut donner l’impression de mouvement ou de tension entre ces zones.

Le souper d’Emmaüs: Le Caravage

• Placement stratégique des formes : Placer les formes de manière à ce qu’elles semblent se chevaucher, se superposer ou s’éloigner les unes des autres peut créer un sens de profondeur et de mouvement dans la composition. En disposant les formes de manière à ce qu’elles semblent se déplacer dans l’espace pictural, vous pouvez créer une sensation de mouvement dans l’ensemble de l’image.

Claude Le Lorrain port au soleil couchant

• Utilisation de formes asymétriques : Les formes asymétriques peuvent donner une impression de dynamisme car elles semblent moins statiques que les formes symétriques. En introduisant des formes asymétriques dans la composition, vous pouvez créer un sens de mouvement ou de déséquilibre qui attire l’œil et crée de l’intérêt visuel.

http://www.metmuseum.org/art/collection/search/437329

Nicolas_Poussin L’Enlèvement des Sabines

3)  Réflexion et autoanalyse

La réflexion et l’analyse sont des aspects essentiels du processus de développement artistique. Voici quelques conseils pour approfondir cette étape : 

Auto-évaluation critique : Prenez du recul par rapport à vos propres œuvres et examinez-les de manière objective. Identifiez les aspects de votre travail que vous trouvez réussis ainsi que ceux que vous souhaitez améliorer. Posez-vous des questions sur la composition, la couleur, la technique et l’expression émotionnelle.

Étude comparative : Comparez votre travail à celui d’autres artistes, tant contemporains qu’historiques. Identifiez les similitudes et les différences dans les choix artistiques, les styles et les techniques. Analysez ce qui fonctionne dans les œuvres des autres artistes et réfléchissez à la manière dont vous pouvez appliquer ces concepts à votre propre pratique.

Analyse des éléments artistiques : Examinez en détail les éléments spécifiques de votre travail et de celui des autres artistes, tels que la composition, la couleur, la lumière, la texture et la forme. Réfléchissez à la manière dont ces éléments contribuent à l’effet global de l’œuvre et à l’expression du sujet.

Feedback externe : N’ayez pas peur de demander des avis extérieurs sur votre travail. Les retours constructifs d’autres artistes,  ou de personnes de confiance peuvent vous fournir de précieuses perspectives et vous aider à identifier des domaines à améliorer. Vous pouvez aussi prendre rendez-vous avec moi pour des séances de coaching individuel, pour aller plus loin dans votre démarche artistique.

4) Mettez de la structure et du rythme dans vos tableaux

Pour donner de la structure et du rythme à vos tableaux, vous utilisez une variété de techniques. Cela commence par la planification minutieuse de la composition, en utilisant des lignes directrices telles que la règle des tiers ou le nombre d’or pour organiser les éléments de manière équilibrée. Le contraste de valeurs, de couleurs et de textures crée des zones d’intérêt et de focalisation, tandis que la répétition de motifs introduit un rythme visuel. L’utilisation de lignes directrices diagonales ou courbes guide le regard du spectateur à travers la composition, créant un sentiment de mouvement. En équilibrant harmonieusement les éléments de la toile et en comprenant la structure des objets représentés, vous pouvez créer des tableaux qui captivent et enchantent les spectateurs.

• Planification et composition : Avant de commencer à peindre, réfléchissez à la composition de votre tableau. Utilisez des lignes directrices telles que la règle des tiers ou le nombre d’or pour organiser les éléments de manière équilibrée et harmonieuse sur la toile.
• Contraste et variation : Utilisez le contraste de valeur, de couleur et de texture pour créer des zones d’intérêt et de focalisation dans votre tableau. Alternez les zones de lumière et d’ombre pour ajouter de la profondeur et de la dimension à votre composition.
• Répétition de motifs : Introduisez des motifs récurrents ou des éléments répétés dans votre tableau pour créer un rythme visuel. Les motifs répétés peuvent être des formes, des couleurs, des lignes ou des textures qui se répètent à travers la composition.
• Utilisation de lignes directrices : Utilisez des lignes diagonales ou courbes pour guider le regard du spectateur à travers votre tableau et créer un sentiment de mouvement. Les lignes directrices peuvent être des éléments naturels tels que des chemins ou des rivières, ou des lignes créées par des objets ou des formes dans la composition.
• Équilibre et harmonie : Assurez-vous que les éléments de votre tableau sont équilibrés et harmonieux. Évitez de surcharger une partie de la toile avec trop d’informations visuelles et veillez à ce que chaque élément contribue de manière équilibrée à l’ensemble de la composition.
• Étude de la structure : Étudiez la structure et la forme des objets que vous peignez afin de les représenter de manière réaliste et convaincante. Comprenez la façon dont la lumière interagit avec les formes pour créer des ombres et des reflets, et utilisez cela pour renforcer la structure de votre tableau.

5) Pour acquérir « l’œil du peintre » : Pratiquez l’observation quotidienne :

Pour acquérir « l’œil du peintre », la pratique de l’observation quotidienne est essentielle. Prenez l’habitude de vous immerger dans votre environnement, que ce soit à l’intérieur ou à l’extérieur, et observez attentivement les formes, les couleurs, les textures et les jeux de lumière qui vous entourent.

• Prenez le temps d’apprécier les détails souvent négligés, tels que les reflets dans l’eau, les ombres projetées par les bâtiments, ou les variations subtiles de tonalité dans le ciel au lever ou au coucher du soleil.

En développant cette sensibilité à l’observation, vous entraînerez votre esprit à remarquer les nuances et les subtilités du monde qui vous entoure, ce qui vous aidera à créer des compositions riches et dynamiques dans vos propres œuvres .

Prenez  l’habitude d’observer attentivement votre environnement quotidien peut considérablement améliorer votre capacité à percevoir les détails. Prenez le temps de regarder autour de vous lorsque vous vous déplacez, que ce soit en marchant dans la rue, en observant la nature dans un parc ou même en observant les objets dans votre maison. Cela peut vous aider à développer une sensibilité accrue aux formes, aux couleurs, aux textures et à la lumière qui vous entourent.

Conclusion

Dans cette exploration de l’art de la peinture, vous avez parcouru un voyage à travers les principes fondamentaux et les techniques qui font vibrer la magie des chefs-d’œuvre picturaux.

• Vous avez plongé dans l’harmonie des formes, la dynamique des lignes, les subtilités du nombre d’or et l’impact puissant des contrastes. De là, vous avez appris comment cultiver « l’œil du peintre » en pratiquant une observation quotidienne, en étudiant les grands maîtres et en réfléchissant de manière critique sur vos propres créations. À travers la structure et le rythme, vous façonnez des univers sur la toile, invitant les spectateurs à voyager à travers des paysages intérieurs et extérieurs, à explorer des émotions, des idées et des rêves.

L’art de la peinture est bien plus qu’une simple expression artistique ; c’est une exploration profonde de l’âme humaine, une invitation à contempler la beauté et à découvrir la vérité à travers le langage universel de la couleur et de la forme. En intégrant ces enseignements dans votre propre pratique artistique, vous êtes appelés à créer des œuvres qui transcendent les limites du temps et de l’espace, qui captivent l’imagination et qui inspirent l’humanité pour les générations à venir.

Et maintenant

A vos pinceaux