Dans cet article, vous allez découvrir comment passez aux niveaux supérieurs pour devenir un artiste professionnel, en découvrant les techniques de peinture fondamental, qui vous ont été gardé secrète ou presque jusqu’à maintenant.

Pour passer  d’un niveau  amateur à un niveau professionnel, cela peut sembler être un parcours du combattant, mais avec la bonne approche et une détermination sans faille, ce rêve peut devenir une réalité. Si vous aspirez à passer à un niveau supérieur dans votre carrière artistique, voici trois conseils pratiques pour vous aider dans cette évolution significative.

Avant d’allez plus en avant , sachez que c’est le qualitatif et non quantitatif dans un laps de temps court, qui est important . Prenez votre temps pour bien faire les choses et tout d’abord ayez …

1) Le Bon état D’esprit : le laboratoire de l’artiste peintre

C’est en forgeant que l’on devient forgeront

Explorez divers styles, techniques et médiums pour découvrir ce qui vous passionne le plus. Il est crucial de ne pas se limiter à un seul style, mais plutôt d’expérimenter et d’explorer différents styles artistiques.

Posez-vous des questions fondamentales :

• Qu’est-ce qui vous motive à peindre ?
• Quel message souhaitez-vous transmettre à travers votre art ?

En comprenant vos motivations profondes, vous pourrez développer une identité artistique authentique et originale qui vous distinguera sur le marché.

N’ayez pas peur d’innover et de sortir des sentiers battus. Votre style unique est ce qui attirera l’attention et vous donnera un style particulier aux yeux de tous . Faites preuve de persévérance et d’engagement pour affiner votre style et le rendre reconnaissable entre mille.

2) Les techniques fondamentales à connaitre pour progresser en art

a) La règle des tiers

La flagellation du Christ Piero Della Francesca ( pour voir l’analyse de l’oeuvre cliquez ici ) 

La règle des tiers est une règle de composition largement utilisé en peinture, en photographie, en  graphisme et dans d’autres formes d’art visuel. Cette règle est fondamentale pour créer des compositions équilibrées et naturellement agréables à regarder.

En peinture, la règle des tiers consiste à diviser mentalement la surface de votre toile en neuf parties égales en utilisant deux lignes horizontales et deux lignes verticales équidistantes. Ces lignes divisent l’espace en neuf sections égales, formant ainsi quatre points d’intersection où les lignes se croisent.

L’idée principale de la règle des tiers est d’éviter de centrer le sujet principal de votre peinture. Au lieu de placer le point focal directement au centre, vous le positionnez plutôt près des intersections de ces lignes imaginaires. Ces points d’intersection sont des emplacements stratégiques pour placer des éléments importants de votre composition, comme un sujet principal, un point d’intérêt, ou des lignes directrices dans la scène.

En plaçant les éléments clés de votre peinture le long de ces lignes ou à leurs intersections, vous créez une composition visuellement dynamique, équilibrée et intéressante. Cela aide à guider le regard du spectateur à travers l’image de manière naturelle et à donner de la profondeur et du mouvement à votre œuvre.

La règle des tiers est une ligne directrice de composition, mais elle n’est pas une règle stricte. Elle peut être adaptée, ajustée ou même délibérément enfreinte pour créer des effets visuels particuliers ou pour expérimenter avec la composition artistique. Cependant, comprendre cette règle permet généralement de créer des compositions visuellement attrayantes et dynamiques en peinture.

b) Comment Construire un tableau avec la règle des tiers ?

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c) Divisez votre surface de travail en tiers

Imaginez deux lignes horizontales équidistantes qui divisent votre toile ou papier en trois sections égales verticalement. Ensuite, ajoutez deux lignes verticales équidistantes pour créer neuf sections égales au total.

d) Placez votre sujet principal sur les lignes ou les intersections

Identifiez le point focal de votre tableau, que ce soit un objet, une personne, un paysage, ou tout autre élément central. Évitez de placer ce sujet principal directement au centre de votre composition. Au lieu de cela, décalez-le légèrement vers l’une des lignes horizontales ou verticales, ou mieux encore, vers l’un des points d’intersection.

e) Utilisez les lignes directrices pour créer de l’équilibre

Si votre sujet principal n’occupe pas toute la surface de votre composition, utilisez les lignes directrices pour positionner d’autres éléments importants de votre tableau. Par exemple, une route, un horizon, ou des éléments directionnels peuvent suivre une des lignes horizontales ou verticales pour créer une dynamique visuelle.

f) Équilibrez la composition

Veillez à équilibrer les éléments de votre tableau en répartissant l’intérêt visuel dans les différentes parties selon la règle des tiers. Si votre sujet principal se trouve dans l’un des coins, envisagez de placer un élément d’intérêt équilibrant dans un coin opposé ou à proximité pour maintenir l’équilibre visuel.

g) Expérimentez et ajustez selon votre vision artistique

La règle des tiers est une ligne directrice, mais elle n’est pas rigide. N’hésitez pas à expérimenter en déplaçant vos éléments autour des lignes et des intersections pour voir comment cela affecte la composition et l’impact visuel de votre tableau.

h) Prenez du recul et évaluez votre composition

Après avoir disposé les éléments selon la règle des tiers, prenez du recul pour observer votre tableau dans son ensemble. Assurez-vous que la composition semble équilibrée, dynamique et attrayante. Si nécessaire, apportez des ajustements pour améliorer la cohérence visuelle.

3) Les techniques secrète des plus grand peintre

La Joconde de Léonard de Vinci 

a) La technique du sfumato de Léonard de Vinci :

Léonard de Vinci était célèbre pour sa technique de sfumato, une méthode de superposition de fines couches de peinture pour créer des transitions douces entre les couleurs et les tons, produisant ainsi une atmosphère de mystère et de flou délibéré dans ses œuvres.

Le terme « sfumato » est un mot italien qui signifie « fumée » ou « vaporeux ». C’est une technique picturale associée principalement à Leonardo da Vinci, bien qu’elle ait également été utilisée par d’autres artistes de la Renaissance. Cette technique est souvent utilisée pour créer des effets de transition subtils entre les couleurs et les tons, en particulier dans la représentation des contours et des formes dans les peintures.

Le sfumato se caractérise par des transitions douces et dégradées entre les couleurs et les tons, évitant les lignes nettes ou les contours précis. Cela donne un aspect flou et atmosphérique aux formes représentées, créant une impression de douceur et de réalisme.

Leonardo da Vinci était un maître de cette technique et l’a utilisée dans de nombreuses de ses peintures célèbres, notamment dans la « Joconde » (Mona Lisa). Dans ce tableau en particulier, le sfumato est utilisé pour adoucir les contours du visage, créant une expression douce et énigmatique sur le visage de la femme représentée.

La technique du sfumato implique généralement l’application de fines couches de peinture transparente ou semi-transparente pour fondre les bords et créer des transitions douces entre les tons. Cela permet d’éliminer les contours nets et de donner une apparence plus naturelle aux objets et aux formes représentés dans la peinture.

En résumé, le sfumato est une technique de peinture utilisée pour créer des transitions subtiles entre les couleurs et les tons, en évitant les lignes nettes et les contours définis pour donner une apparence douce et réaliste aux formes représentées.

b) Créer l’harmonie à travers la géométrie et la perspective :

Sacra conversazione Piero Della Francesca

Des artistes ont utilisé la perspective et des formes géométriques comme les cercles dans leurs œuvres pour créer des effets spatiaux et donner une impression de volume et de réalisme.

Cette approche combine généralement des principes de perspective avec l’utilisation de formes circulaires pour créer des compositions artistiques qui exploitent l’illusion de profondeur et de distance.

Utilisation des cercles pour une lecture fluide de l’œuvre : Dans la peinture, la perspective et la géométrie peuvent être utilisées pour créer une harmonie visuelle. Des cercles coïncidant avec la perspective d’un paysage ou d’un bâtiment peuvent être tracés pour aider à placer des éléments clés sur le tableau. Ces cercles peuvent représenter des points focaux ou des endroits où placer des éléments importants tels que des personnages ou des éléments clés de manière à guider le regard du spectateur à travers l’œuvre de manière fluide.

Par exemple, dans une peinture de paysage, un cercle central pourrait être tracé autour d’un arbre majestueux au premier plan, un autre cercle plus petit à l’horizon où se trouve un groupe de personnes, et ainsi de suite. En disposant stratégiquement des éléments clés à ces points, le peintre peut diriger le regard du spectateur à travers la composition de manière harmonieuse et captivante.

c) Transmettre des émotions à travers les couleurs et les formes :

Utilisation des couleurs et des formes pour évoquer des émotions : Les artistes utilisent la couleur et la forme pour transmettre des émotions et des sentiments à travers leurs œuvres. Chaque couleur a sa propre signification émotionnelle, et leur combinaison peut amplifier ou nuancer ces émotions. Par exemple :

• Rouge : Passion, énergie, colère.
• Bleu : Calme, sérénité, mélancolie.
• Jaune : Joie, bonheur, vitalité.

La forme joue également un rôle crucial. Des lignes douces et courbes peuvent évoquer la tranquillité ou la délicatesse, tandis que des lignes angulaires et nettes peuvent représenter la force ou la tension.

En combinant habilement les couleurs et les formes, un artiste peut susciter des émotions spécifiques chez les spectateurs. Par exemple, l’utilisation de tons froids et de formes douces pourrait exprimer la quiétude d’un paysage paisible, tandis que l’association de couleurs vives et de formes dynamiques pourrait évoquer l’excitation ou la passion.

=== > Ces techniques, bien maîtrisées et combinées avec le talent artistique, peuvent aider à créer des œuvres captivantes et émotionnellement puissantes.

Savoir utiliser les couleurs, les formes et la composition pour transmettre des émotions profondes est crucial. Créer une connexion émotionnelle avec le spectateur en racontant une histoire à travers l’œuvre, en suscitant des sentiments et des réflexions, est la marque des grands génies de la peinture.

En combinant une maîtrise technique solide, une créativité sans limites et la capacité à émouvoir et à raconter des histoires à travers la peinture, il est possible de tendre vers le statut d’un génie de la peinture. Ces éléments, associés à la persévérance, à la passion et à un engagement constant envers l’art, contribuent à forger un chemin vers l’excellence artistique.

En Attendant ce moment …

A nos Pinceaux